RVB Books

Les photographies qui composent le livre de Tabitha Soren, Surface Tension sont des reproductions à la chambre 20x25 de l’écran de sa tablette numérique. En arrière plan, derrière les traces de doigts qui recouvrent ce dernier figure un corpus d’images provenant aussi bien de l’historique de ses recherches internet, des réseaux sociaux qu’elle consulte que des sms qu’elle reçoit. Des clichés de feux de forêt, de protestations, de répressions policières, des clichés qui constituent l’actualité et que nous consultons quotidiennement et souvent de manière machinal. Son geste artistique met en évidence la constante interaction que nous entretenons avec notre téléphone et évoque la réalité collective de millions d’humains constamment attirés par leurs écrans et qui à force de recevoir un flot incessant d’informations en constant renouvellement, oublie peu à peu qu’ils participent aussi au monde physiquement et collectivement. Surface Tension sera notamment exposé au Mills College Art Museum (septembre 2021 – Décembre 2021), au Pier 24 Photography (Janvier 2022 – Septembre 2022), et à l’aéroport de San Francisco (Octobre 2021 - Avril 2022). Soren est une artiste visuelle pluridisciplinaire depuis plus 25 ans, elle s’est longtemps intéressée au croisement entre la culture, la politique, le corps et la psychologie. Elle vit et travaille en Californie, et son travail a intégré de nombreuses collections privées dans le monde (notamment des collections muséales dont le LAC MA, The Getty, Harvard Art Museum, New Orleans Museum of Art, Cleveland Museum of Art, Eastman Museum of Photography, Museum of Contemporary Photography, Pier 24). Le livre est accompagné d’un essai écrit par Jia Tolentino, rédactrice pour le New Yorker et autrice de la collection d’essais intitulée « Trick Mirror: Reflections on Self-Delusion ».

Dans leur série d’images « Paparazzi», le duo d’artistes Mazaccio et Drowilal utilisent et détournent les images de ces photographes chasseurs d’images, et établissent une typologie de comportements de célébrités. “The Beach“, “Bike Riding“, “Surfing“, leurs titres sont plus qu’explicites. Si ces représentation tendent à montrer qu’ils mènent une vie « normale » (ils font leurs courses au supermarché, promènent leur chien), elles affichent toutefois les codes qui marquent leur appartenance à une classe à part (villas somptueuses, plages paradisiaques, etc.). Leurs activités en viennent à être sponsorisées par des marques qui voient là un placement de produit pertinent au vu des affects engagés. En décontextualisant ces modèles et en travaillant sur leur accumulation, les artistes neutralisent la charge sensationnelle inhérente à leur représentation et mettent à nu l’idéologie et le modèle de société qui se cachent derrière cet épiphénomène. Défiant le bon goût, réfutant toute hiérarchie entre l’image noble et le cliché vernaculaire, ils opèrent des détournements, des confrontations, des juxtapositions, et ce faisant, ils déconstruisent, l’air de rien, les représentations qui façonnent nos imaginaires contemporains.

Découverte en France en 1994 en région Auvergne-Rhône-Alpes, la grotte Chauvet est l’un des sites majeurs dans l’Histoire de l’Humanité, tant par les qualités techniques et esthétiques de ses peintures rupestres que pour les pièces paléontologiques présentes sur place. Elle est l’une des plus anciennes grottes ornées au monde. Interdite depuis toujours au grand public, elle incarne depuis sa découverte un objet de fascination pour l’Homme, marquant un tournant majeur dans l’art pariétal et l’Histoire des premiers hommes. Plonger au coeur de ce site paléolithique unique impliquait un enjeu artistique majeur pour Philippe Durand. Appréhender la grotte, c’est partir d’un univers clos, d’un ensemble quantifiable de signes et d’une architecture naturelle spectaculaire, où le temps semble s’être arrêté. Philippe Durand s’est volontairement éloigné des représentations objectives, pour révéler une grotte plus intime, plus subjective. Pour cela, il emploie la technique des expositions multiples à laquelle il associe des filtres de couleurs. Ainsi il a défini un espace de création, de représentation non-objective, dans lequel chacun peut se projeter différemment. La couleur n’est plus traitée dans sa dimension réaliste, elle renvoie plutôt à une information, à un code, comme dans les photographies astronomiques, ou microscopiques. Il retrouve l’idée initiale d’une grotte rêvée, fantasmée, et nous entraine dans une exploration psychédélique du site le plus célèbre de la préhistoire. Philippe Durand est le lauréat de la 2nde édition du Concours de photographie initié par l’Association pour le Rayonnement de la Grotte Chauvet – Pontd’Arc. L’attibution de ce prix lui a permis de se rendre au coeur de la Grotte afin d’y mener son projet photographique, ceci aboutissant entre autres à la réalisation du livre «Chauvet, l’aventure intérieure» publié aux éditions RVB Books.

Dominique est le prénom mixte le plus donné en France, il est aussi le vingt-septième prénom le plus porté. L’associant à Lambert, vingt-septième nom de famille également le plus porté, Stéphanie Solinas définit comme population d’étude les cent quatre-vingt-onze Dominique Lambert répertoriés dans l’annuaire des particuliers (Pages Blanches, France). Elle a demandé par courrier à chacun d’eux de remplir un portrait chinois. À partir de ce dernier, pour les Dominique Lambert ayant répondu, elle a élaboré un portrait écrit, avec l’aide du Comité Consultatif pour la Description des Dominique Lambert (composé d’un psychologue, un statisticien, un inspecteur de police, un juriste). Ce texte a constitué la base du portrait dessiné par le peintre Benoît Bonnemaison-Fitte. Le portrait dessiné a ensuite été transformé en portrait-robot par Dominique Ledée, enquêteur de police de l’Identité Judiciaire. Stéphanie Solinas a alors recherché un modèle présentant une ressemblance évidente avec le portrait-robot pour le photographier. Glissée dans la jaquette du livre, une pochette cristal renferme les photos d’identité des « vrais » Dominique Lambert auteurs des portraits chinois, et clôt ainsi la chaîne des représentations imaginée par l’artiste.

Erwin Wurm Photographs est publié à l’occasion de la première rétrospective consacrée, par la Maison Européenne de la Photographie, à sa pratique photographique. L'ouvrage éclaire le travail d’Erwin Wurm, artiste de renommée internationale, sous ce nouvel angle. Réunissant quelque 600 photographies réalisées depuis la fin des années80, cette publication exhaustive présentera aussi des planches contacts originales et des tirages provenant des archives personnelles de l’artiste, qui n’ont encore jamais été dévoilés au public. L’ouvrage explore le processus artistique par lequel l’artiste autrichien réalisa des œuvres majeurs tel que les Dust Sculptures, Fabio Getting Dressed » ou encore les célèbres One-Minute Sculptures et dévoile aussi les récents Polaroids grand format. Inédite dans sa conception cette monographie met en avant le rôle unique joué par le médium photographique dans l’œuvre de Wurm : bien plus qu’un moyen d’immortaliser ses performances la photographie est pour lui une forme d’expression “sculpturale” à part entière. Erwin Wurm est né en 1954, en Autriche. Il vit et travaille entre Vienne et Limberg.

De la diversité de ses influences, Hassan Hajjaj, artiste anglo-marocain, a créé une forme de métissage artistique, un univers fantasque et excentrique qui engage un dialogue entre tradition et modernité, culture et pop culture. Connu pour ses portraits ultra-colorisés à la frontière entre pratique documentaire et photographie de mode, il associe aussi dans ses compositions des pagnes africains, des boîtes de conserve, des logos ou monogrammes détournés. Il élabore ainsi une sorte de réappropriation visuelle des produits de consommations globalisés et propose une interprétation critique de l’exotisme oriental. Simplement titré Hassan Hajjaj, ce livre publié à l’occasion de la rétrospective que lui consacre la MEP en septembre 2019, est la première monographie d’envergure consacrée à son travail. On y retrouve l’ensemble des séries qui ont fait sa célébrité ainsi que son travail en N/B jusque-là inédit.

Tiane Doan na Champassak a découvert sur le Web Noname Jane, une actrice pornographique américaine qui a mis un terme à sa carrière après avoir participé à plus de 300 films. En 2007 elle a annoncé, via son site internet la mise en vente de l’ensemble des sex toys qu’elle a utilisés pour ses sessions photos et films. Poursuivant sa pratique d’appropriation Champassak réunit dans ce livre la collection complète des sex toys accompagnée des commentaires de l’actrice. Il a ensuite appris directement de Noname Jane que la collection complète avait été détruite dans un incendie. Suite à cela l’actrice a fermé définitivement son site.

Dans la lignée de Cindy Sherman, Tomoko Sawada incarne cette seconde génération d’artistes féminines qui choisissent la mise en scène photographique pour explorer la question de l’identité et dénoncer les conventions culturelles contemporaines. Cette jeune artiste japonaise s’intéresse tout particulièrement à la pratique photographique au sein de notre société telle que les photographies de classe, de mariage ou de studio de mode. Elle se déguise en une multitude de personnages pour faire ressortir les stéréotypes de ces us et coutumes. Avec Recruit, Tomoko Sawada poursuit son travail sur l’autoportrait au sein de la société japonaise contemporaine. Elle explore cette fois les photographies d’identité que les étudiants japonais réalisent à la fin de leurs études, en vue de chercher un emploi. Elle en a conservé les conventions formelles bien établies (costume, posture, expression neutre du visage), mais pour les déjouer en y introduisant une subtile variation. À partir d’un dispositif photographique strict, reprenant les codes du photomaton (une lumière toujours similaire, un cadrage invariant, une même pose), elle multiplie les images en jouant sur sa coiffure, son maquillage, et l’expression donnée à son visage. Elle étonne par la différence qu’elle rend possible et visible sur son visage, et démontre par là le caractère relatif de toute apparence. Disposées en grille dans le livre, les trois planches de portraits offrent une vision globale de leur nombre, en même temps qu’elles invitent le regard à défiler d’un visage à un autre.

Gone Fishing relate, sous la forme d’un recueil de correspondances fictives, l’épopée moderne d’un jeune homme qui préfère les vacances entre potes à ses nouvelles responsabilités de père. Au fil des lettres, Thomas Mailaender dresse le portrait peu flatteur d’un Ulysse adulescent davantage inspiré par la bière, la pêche au gros et les parties de ping-pong que par les joies de la paternité. Chacune des 19 lettres ici rassemblées, est illustrée d’un portrait du jeune père effectuant un exploit d’une banalité consternante censée excuser son absence. Ces images sont des photomontages réalisés par l’artiste à partir de photos d’amateurs collectées sur internet.

Hotel Mermaid Club, premier livre de Chris Rhodes, est une ode au quotidien. Le photographe anglais y transforme la réalité pour créer un univers poétique et apaisant emprunt de mélancolie. Son sens de la couleur et du cadrage compose au fil du recueil une esthétique très personnelle de la banalité. Bien que le portrait au sens traditionnel du terme n’y figure pas, le livre trouve son humanité dans le récit, les espaces occupés et les objets du quotidien auxquels nous ne faisons plus attention.